HELL’O COLLECTIVE
(Bruselas, Bélgica, 1982)
Jérôme Meynen y Antoine Detaille llevan más de 10 años homogeneizando lenguajes y compartiendo soportes para crear lo que hoy es su internacionalmente reconocido y reconocible universo.Un universo de seres híbridos envueltos en una narratividad intrigante que bebe, entre una gran diversidad de fuentes, de la iconografía e iconología medievales,el sustrato artístico y cultural surrealista belga o el arte óptico, el folclore, e incluso la ciencia y el esoterismo.
Este grupo de amigos a la par que compañeros de trabajo, son una maravilloso ejemplo de camaradería, diligencia y saber hacer.
Con una técnica a veces rayana a un miniaturismo puntillista y unos acabados limpios y precisos, el colectivo va extendiendo su catálogo de escenas e ideas en un empeño casi obsesivo por ampliar y perpetuar su particular legado.
Sus dibujos sobre papel, muro o madera, juegan a menudo con las tensiones del equilibrio físico, moral o morfológico; la oposición o dicotomía de las fuerzas o los conceptos, tales como la honestidad, la apariencia, la vacuidad, el sentido, el optimismo o la desafección.
Los interrogantes de corte existencialista y los tópicos literarios clásicos como el acecho y la irrevocabilidad de la muerte o el « carpe diem », son también temas recurrentes, que aparecen de manera más o menos explícita, pero casi siempre tratados con un cierto cinismo, una mordacidad estoica envuelta en confeti.
Hell’o, en su exitosa y dinámica trayectoria, va mutando lentamente, como lo hacen sus personajes.
Haciendo evolucionar su obra, de una manera comprometida y muy meditada, el colectivo logra sorprendernos en cada exposición con sus colores, instalación y sugestivos contenidos.
ISABEL GARMÓN
(Zaragoza, 1985)
Tras formarse con pintores en Madrid y en la prestigiosa Academia de Arte de Florencia, Isabel desarrolla proyectos artísticos tanto en dibujo como en pintura. Para ella, trabajar del natural es de lo más excitante ya que considera que es la única manera de poder hablar de nuestra propia experiencia de la escena y poder ofrecérsela al espectador con la mayor de sus honestidades.
MAIKY MAIK
(Zaragoza, 1990)
Maiky Maik es uno de los jóvenes ilustradores que ha irrumpido con fuerza en la escena local de los últimos años. En sus equilibradas y sencillas ilustraciones vuelca una serie de ideas subjetivas para abordar los diferentes temas que le interesan. Su característico estilo dota a su obra de una narrativa en la que participan la imagen y su propia visión de las cosas.
SPOGO
(Badalona, España, 1980)
Carlos García, también conocido en el mundo del arte urbano como Spogo estudió ilustración en la escuela de artes y oficios Pau Gargallo mientras compaginaba su
formación académica con trabajos en el sector de la construcción y reformas de viviendas.
Empezó a pintar en el año 2002 de manera autodidacta y en el año 2006 participó en la
creación del colectivo Barri Groc, formado por artistas como Lucas Milà, SM172 y Max Gärtner, entre otros, quienes comenzarona pintar murales para comercios y eventos de arte urbano de manera profesional.
A partir del año 2011, terminó su etapa en el colectivo y desde entonces alterna su labor profesional con la realización de intervenciones en lugares abandonados, así como en su ciudad natal de Badalona. Desde ese momento empiezo a definir mi estilo y lo que significa para mí pintar en el espacio público.
A lo largo de los últimos años, ha participado en múltiples festivales de arte urbano nacionales (Barcelona, Madrid, Valencia o San Sebastián, entre otras) e internacionales (Berlín, Gante, Setè, etc.), exposiciones, proyectos culturales y talleres educativos, compaginando su trabajo en el espacio público con encargos privados de obras de estudio y murales comisionados, de pequeño, mediano y gran formato.
La concepción de sus murales nacen de la observación del entorno para encontrar evocaciones y recuerdos de cada lugar para luego interpretarlos en los muros, adaptándose al formato y situando de manera orgánica y equilibrada en conjunto con el contexto que envuelve su obra. La arquitectura le estimula para encontrar nuevas formas de cambiar el aspecto del edificio e intercambio información visual de manera que tanto el edificio como su intervención artística mantengan el protagonismo, buscando una estética final neutral para respetar la convivencia con los vecinos y el entorno del edificio.
DIMITRIS TAXIS
(Atenas, Grecia, 1983)
Dimitris Taxis, nació en Szczecin, Polonia en mayo de 1983 de una madre polaca historiadora del arte y padre pintor / grabador griego. Cuando tenía tres años, su familia se mudó a Atenas, Grecia. Taxis estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Atenas bajo la dirección de los profesores Rena Papaspirou y Marios Spiliopoulos y se graduó con un título de primera clase en 2008.
Al crecer en una familia artística, Taxis se introdujo en el mundo del arte desde muy joven, lo que desarrolló el deseo de Dimitris de encontrar una manera de expresarse. A la edad de 14 años, durante unas vacaciones familiares en Polonia, se familiarizó con el arte del graffiti. Desde 1998, Taxis ha estado involucrado con el graffiti y ha participado en festivales internacionales de graffiti como Meeting of Styles y Write for Gold.
Taxis también entra en el mundo del cómic en 2003. Sus cuentos se han publicado en la revista BABEL Comic desde 2005. Ha participado en festivales internacionales de cómics (Grecia, Polonia, Italia) y ha sido premiado varias veces en concursos de cómic. Ha colaborado con periódicos, revistas y libros como ilustrador. En 2004 trabajó como director de fotografía para la película ‘A pink safety pin ‘de Nikos Pomonis, que ganó una cita en el Digital Wave Competition, en la 47a película internacional de Thessaloniki Festival en 2006. En 2005 fue uno de los escenógrafos de la película “Pink” de Alexander Voulgaris. Al mismo tiempo, comenzó a pegar carteles hechos a mano en las calles de Atenas y más tarde en el extranjero también (Berlín, Barcelona, etc.). Definimivamente, su personal estilo “comic” ha sido la línea que Dimitris ha decidido llevar a sus trabajos en calle.
Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Atenas bajo la tutela de Rena Papaspirou y Marios Spiliopoulos, graduándose con un título de primera clase en 2008.
El punto de referencia de Dimitris es el humano mismo. Está intrigado por la lucha interior cotidiana que la sociedad obliga a cada individuo a atravesar. En su arte pretende capturar los sentimientos de desolación y penurias, sentimientos que siempre han atormentado a la humanidad. Él cree que su trabajo establece cuestiones obvias que muchas personas tienden a olvidar o ignorar lo que, de hecho, es algo que debería ser reexaminado enérgicamente. Su objetivo es provocar al espectador una conversación con él mismo en la que pueda expandirse o profundizar de acuerdo con su propia percepción.
Su obra de arte es más como un juego entre la imagen y el espectador. No existe un plan específico ni una técnica ya que evolucionan cada día. Los pensamientos, los bocetos y el estilo cambian día tras día de acuerdo con los estímulos que recibe.
Actualmente Taxis pinta paredes, hace murales pero también enfoca en su trabajo sobre lienzos, papel y madera en su estudio en Atenas.
URKU
(Quito, Ecuador, 1991)
Roberto Rivadeneira es un ilustrador y artista visual que creció en Quito y ahora trabaja y reside en Alemania. Roberto estudio Diseño y Comunicación en Sydney – Australia y desde el 2015 vive en Berlín.
Su arte se enfoca predominantemente en lienzos y pintura de murales. El trabajo de Urku encuentra esta influenciado por la cultura contemporánea y observaciones del día a día entre diferentes ciudades, culturas y sociedades. Más que una declaración puntual, la obra de Urku es una invitación abierta a interactuar con el espacio y la atmósfera del lugar.
Roberto ha presentado dos exposiciones individuales Berlín 2018, y Sao Paulo 2019. Y ha dejado sus murales en Alemania, Australia, Grecia, Turquía, Austria, Bulgaria, Serbia, Israel, Hungría, España, Portugal, Brasil, México y Ecuador.
HELL’O COLLECTIVE
(Bruselas, Bélgica, 1982)
Jérôme Meynen y Antoine Detaille llevan más de 10 años homogeneizando lenguajes y compartiendo soportes para crear lo que hoy es su internacionalmente reconocido y reconocible universo.Un universo de seres híbridos envueltos en una narratividad intrigante que bebe, entre una gran diversidad de fuentes, de la iconografía e iconología medievales,el sustrato artístico y cultural surrealista belga o el arte óptico, el folclore, e incluso la ciencia y el esoterismo.
Este grupo de amigos a la par que compañeros de trabajo, son una maravilloso ejemplo de camaradería, diligencia y saber hacer.
Con una técnica a veces rayana a un miniaturismo puntillista y unos acabados limpios y precisos, el colectivo va extendiendo su catálogo de escenas e ideas en un empeño casi obsesivo por ampliar y perpetuar su particular legado.
Sus dibujos sobre papel, muro o madera, juegan a menudo con las tensiones del equilibrio físico, moral o morfológico; la oposición o dicotomía de las fuerzas o los conceptos, tales como la honestidad, la apariencia, la vacuidad, el sentido, el optimismo o la desafección.
Los interrogantes de corte existencialista y los tópicos literarios clásicos como el acecho y la irrevocabilidad de la muerte o el « carpe diem », son también temas recurrentes, que aparecen de manera más o menos explícita, pero casi siempre tratados con un cierto cinismo, una mordacidad estoica envuelta en confeti.
Hell’o, en su exitosa y dinámica trayectoria, va mutando lentamente, como lo hacen sus personajes.
Haciendo evolucionar su obra, de una manera comprometida y muy meditada, el colectivo logra sorprendernos en cada exposición con sus colores, instalación y sugestivos contenidos.
ISABEL GARMÓN
(Zaragoza, 1985)
Tras formarse con pintores en Madrid y en la prestigiosa Academia de Arte de Florencia, Isabel desarrolla proyectos artísticos tanto en dibujo como en pintura. Para ella, trabajar del natural es de lo más excitante ya que considera que es la única manera de poder hablar de nuestra propia experiencia de la escena y poder ofrecérsela al espectador con la mayor de sus honestidades.
MAIKY MAIK
(Zaragoza, 1990)
Maiky Maik es uno de los jóvenes ilustradores que ha irrumpido con fuerza en la escena local de los últimos años. En sus equilibradas y sencillas ilustraciones vuelca una serie de ideas subjetivas para abordar los diferentes temas que le interesan. Su característico estilo dota a su obra de una narrativa en la que participan la imagen y su propia visión de las cosas.
SPOGO
(Badalona, España, 1980)
Carlos García, también conocido en el mundo del arte urbano como Spogo estudió ilustración en la escuela de artes y oficios Pau Gargallo mientras compaginaba su
formación académica con trabajos en el sector de la construcción y reformas de viviendas.
Empezó a pintar en el año 2002 de manera autodidacta y en el año 2006 participó en la
creación del colectivo Barri Groc, formado por artistas como Lucas Milà, SM172 y Max Gärtner, entre otros, quienes comenzarona pintar murales para comercios y eventos de arte urbano de manera profesional.
A partir del año 2011, terminó su etapa en el colectivo y desde entonces alterna su labor profesional con la realización de intervenciones en lugares abandonados, así como en su ciudad natal de Badalona. Desde ese momento empiezo a definir mi estilo y lo que significa para mí pintar en el espacio público.
A lo largo de los últimos años, ha participado en múltiples festivales de arte urbano nacionales (Barcelona, Madrid, Valencia o San Sebastián, entre otras) e internacionales (Berlín, Gante, Setè, etc.), exposiciones, proyectos culturales y talleres educativos, compaginando su trabajo en el espacio público con encargos privados de obras de estudio y murales comisionados, de pequeño, mediano y gran formato.
La concepción de sus murales nacen de la observación del entorno para encontrar evocaciones y recuerdos de cada lugar para luego interpretarlos en los muros, adaptándose al formato y situando de manera orgánica y equilibrada en conjunto con el contexto que envuelve su obra. La arquitectura le estimula para encontrar nuevas formas de cambiar el aspecto del edificio e intercambio información visual de manera que tanto el edificio como su intervención artística mantengan el protagonismo, buscando una estética final neutral para respetar la convivencia con los vecinos y el entorno del edificio.
DIMITRIS TAXIS
(Atenas, Grecia, 1983)
Dimitris Taxis, nació en Szczecin, Polonia en mayo de 1983 de una madre polaca historiadora del arte y padre pintor / grabador griego. Cuando tenía tres años, su familia se mudó a Atenas, Grecia. Taxis estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Atenas bajo la dirección de los profesores Rena Papaspirou y Marios Spiliopoulos y se graduó con un título de primera clase en 2008.
Al crecer en una familia artística, Taxis se introdujo en el mundo del arte desde muy joven, lo que desarrolló el deseo de Dimitris de encontrar una manera de expresarse. A la edad de 14 años, durante unas vacaciones familiares en Polonia, se familiarizó con el arte del graffiti. Desde 1998, Taxis ha estado involucrado con el graffiti y ha participado en festivales internacionales de graffiti como Meeting of Styles y Write for Gold.
Taxis también entra en el mundo del cómic en 2003. Sus cuentos se han publicado en la revista BABEL Comic desde 2005. Ha participado en festivales internacionales de cómics (Grecia, Polonia, Italia) y ha sido premiado varias veces en concursos de cómic. Ha colaborado con periódicos, revistas y libros como ilustrador. En 2004 trabajó como director de fotografía para la película ‘A pink safety pin ‘de Nikos Pomonis, que ganó una cita en el Digital Wave Competition, en la 47a película internacional de Thessaloniki Festival en 2006. En 2005 fue uno de los escenógrafos de la película “Pink” de Alexander Voulgaris. Al mismo tiempo, comenzó a pegar carteles hechos a mano en las calles de Atenas y más tarde en el extranjero también (Berlín, Barcelona, etc.). Definimivamente, su personal estilo “comic” ha sido la línea que Dimitris ha decidido llevar a sus trabajos en calle.
Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Atenas bajo la tutela de Rena Papaspirou y Marios Spiliopoulos, graduándose con un título de primera clase en 2008.
El punto de referencia de Dimitris es el humano mismo. Está intrigado por la lucha interior cotidiana que la sociedad obliga a cada individuo a atravesar. En su arte pretende capturar los sentimientos de desolación y penurias, sentimientos que siempre han atormentado a la humanidad. Él cree que su trabajo establece cuestiones obvias que muchas personas tienden a olvidar o ignorar lo que, de hecho, es algo que debería ser reexaminado enérgicamente. Su objetivo es provocar al espectador una conversación con él mismo en la que pueda expandirse o profundizar de acuerdo con su propia percepción.
Su obra de arte es más como un juego entre la imagen y el espectador. No existe un plan específico ni una técnica ya que evolucionan cada día. Los pensamientos, los bocetos y el estilo cambian día tras día de acuerdo con los estímulos que recibe.
Actualmente Taxis pinta paredes, hace murales pero también enfoca en su trabajo sobre lienzos, papel y madera en su estudio en Atenas.
URKU
(Quito, Ecuador, 1991)
Roberto Rivadeneira es un ilustrador y artista visual que creció en Quito y ahora trabaja y reside en Alemania. Roberto estudio Diseño y Comunicación en Sydney – Australia y desde el 2015 vive en Berlín.
Su arte se enfoca predominantemente en lienzos y pintura de murales. El trabajo de Urku encuentra esta influenciado por la cultura contemporánea y observaciones del día a día entre diferentes ciudades, culturas y sociedades. Más que una declaración puntual, la obra de Urku es una invitación abierta a interactuar con el espacio y la atmósfera del lugar.
Roberto ha presentado dos exposiciones individuales Berlín 2018, y Sao Paulo 2019. Y ha dejado sus murales en Alemania, Australia, Grecia, Turquía, Austria, Bulgaria, Serbia, Israel, Hungría, España, Portugal, Brasil, México y Ecuador.